BLACK HOLE MOVIES

Starman (John Carpenter, 1984)

2006-09-27T10:31:00.001+02:00

STARMAN
(Starman)
John Carpenter
1984 (EEUU)
COLOR

SINOPSIS:
La nave Voyager 2 es enviada al espacio para tratar de contactar con alguna inteligencia extraterrestre. Poco después aparece en la tierra un meteorito en cuyo interior viaja un ser procedente de otro planeta que ha escuchado el mensaje. El alienígena adopta la apariencia de un hombre ya fallecido y junto a su joven viuda vivirán una experiencia inolvidable.

CRÍTICA:
Starman supone la incursión de John Carpenter en el cine comercial, en la era Spielberg y en las salas para todos los públicos. El realizador norteamericano, cansado de críticas que acusaban a sus anteriores obras por “exceso de violencia gráfica”, se desquitó enfrascándose en éste trabajo de encargo realizando una comedia romántica sobre un extraterrestre. El filme muestra claras tendencias hacia la “Road Movie” y cierto toque de moralina humanista.

Si por un momento olvidamos el pasado de Carpenter, “Starman” no es una película tan mediocre como algunos críticos han manifestado posteriormente. La película encuadra bastantes aciertos como la impecable conducción narrativa de Carpenter, los extraordinarios efectos especiales de Roy Arbogast y la excelente banda sonora de Jack Nitzsche. Pero lamentablemente “Starman” abarca también algunos vicios como su poco acertado sentido del humor, algunas secuencias demasiado previsibles y la forzada interpretación de Jeff Bridges, que curiosamente fue nominado para el oscar.

“Starman” resultó tener tal éxito en taquilla que incluso se prodigó posteriormente con una breve serie de televisión. Tras finalizar el filme y ebrio de éxito, John Carpenter anunció su retirada definitiva del cine de bajo presupuesto, aunque afortunadamente el futuro demostraría que su decisión quedaría en un impulso pasajero. Al parecer estos comentarios se debían en parte a que durante sus primeros años como cineasta, no había encajado demasiado bien las críticas a la siniestra visión del cine fantástico que ofrecían sus películas.

La verdad es que “Starman” no parece una obra de John Carpenter y realmente nadie esperaba un giro tan radical en su carrera cinematográfica. A pesar de que tuvo una excelente acogida por el gran público, para muchos de sus seguidores resultó decepcionante ver como un genio del horror realizaba un producto laxo para toda la familia. De cualquier modo, es indudable que “Starman” es un clásico del género fantástico y de la década de los 80 junto a ET, Gremlins o Regreso al futuro.

Como curiosidad; algunos años antes la Columbia Pictures rechazó el guión de E.T. por “Starman”. Al parecer ésta versión de la filia alienígena había tenido mejor acogida entre sus ejecutivos.

Intérpretes Principales;
Jeff Bridges
Karen Allen
Charles Martin Smith
Richard Jaeckel
Robert Phalen
Ted White

Director:
John Carpenter

Productor:
Michael Douglas

Guión:
John Carpenter
Bruce A. Evans
Ray Gideon

Fotografía:
Donald M. Morgan

Efectos Especiales:
Pete Altobelli
Bruce Nicholson

Música:
Jack Nitzsche

La víctima número diez (Elio Petri, 1965)

2006-09-14T12:33:00.000+02:00

LA VÍCTIMA NÚMERO DIEZ
(La decima vittima)
Elio Petri
1965 (Italia/Francia)
COLOR

SINOPSIS:
En el futuro, los solitarios habitantes de nuestro planeta, hartos de su aburrida existencia y manipulados por una sociedad globalizada, dedican su vida a un complejo juego de asesinatos. Los jugadores realizarán los papeles de cazadores o víctimas y emplear toda clase de argucias para salir victoriosos.

CRÍTICA:
Una singular película que inspirándose en la novela de Robert Shekel “La septieme victime” y bajo una marcada estética “kisch” digna del momento, nos muestra un inolvidable espectáculo futurista que combina toda clase de elementos como el cómic, la sátira, el surrealismo y el romanticismo, envueltos a su vez por una constante atmósfera de crítica social.
Se trata de un filme muy original en cuanto a su planteamiento estético, pero argumentalmente resulta irregular y la conclusión final es demasiado previsible.
Mastroianni y Andress realizan respectivamente sus caracterizaciones habituales de forma absolutamente correcta, adaptadas en esta ocasión para el siglo XXI.
La música de Piero Piccioni resulta muy acertada para el tipo de ambientación que se pretende, al igual que la fotografía del gran Gianni Di Venanzo, que había colaborado con Fellini en “8 ½” y con Antonioni en “La noche”.
Lamentablemente, la obra no logró alcanzar el aplauso unánime de la crítica, que le reprochó sus excesos esteticistas.
De cualquier modo “La víctima número diez” es una película muy interesante para cinéfilos e imprescindible para los seguidores del género fantástico y de la estética “Pop” o “Kisch”.

Intérpretes Principales;
Marcello Mastroianni
Ursula Andress
Elsa Martinelli
Massimo Serato
Salvo Randone

Director:
Elio Petri

Productor:Carlo Ponti
Guión:Ennio Flaiano Tonino Guerra
Fotografía:Gianni Di VenanzoMúsica:Sergio Bardotti Piero Piccioni

Tron (Steven Lisberger, 1982)

2006-08-23T12:02:00.000+02:00

Título Original;
Tron.

Sinopsis;
El joven informático y programador de videojuegos Kevin Flynn se introduce en el sistema de un macroprograma informático llamado MCP. Su objetivo consiste en recuperar pruebas para demostrar que durante su estancia en la compañía, él mismo creó varios exitosos videojuegos cuya autoría le fue usurpada por otro programador llamado Ed Dillinger.
Durante su estancia en el sistema, Flynn descubrirá que el MCP anhela gobernar el mundo pero con la ayuda del software Tron y de su amiga Yori lucharán para impedírselo.

Crítica;
Nos encontramos ante la película que marcó el inicio de la era informática en el cine.
Por primera vez, los espectadores escucharon en una sala de cine palabras como "bits", "softwares", "hackers", "spywares" y toda una retaila de nuevos conceptos lingüísticos. Ésto supuso para muchos el inicio de una nueva era que amenazaba con aplastar la egemonía de la televisión y sustituir la vieja "caja tonta" por un nuevo mundo repleto de infinitas posibilidades interactivas; el cyberespacio.

Tron es sin lugar a dudas una película tremendamente innovadora, además de ser la primera película integramente cybernética, introdujo también por primera vez en el cine la realización de largas secuencias animadas por ordenador. Para mí, lo mas sorprendente de todo es que fuera la factoría Disney quien se encargara de realizar una producción de tales características, en especial si tenemos en cuenta el fracaso comercial que supuso en su día. A pesar de que otras producciones similares pretendieron sumergirnos nuevamente en el nuevo universo virtual, tuvimos que esperar hasta finales de los años 80 para que la estética cybernética despegara definitivamente con títulos como "Tetsuo" o "El cortador de cesped".

Mis únicos reparos con respecto a Tron se remiten a algunos momentos pretendidamente "entrañables" típicos de cualquier producción Disney, pero francamente dudo que los motivos que la condujeron al fracaso fueran éstos. El hecho de que la conservadora multinacional norteamericana arriesgase con un proyecto tan innovador despertó en su día muchos viejos prejuicios en cinéfilos y críticos que la contemplaron probablemente como otro insufrible "bodrio fantástico infantil" de la época. Contemplándola hoy con detenimiento y comparándola con cualquier producción de fantasía hecha en el siglo XXI para todos los públicos, es inevitable darse cuenta de lo que nos perdimos en 1982 mientras admirábamos a los ridículos extraterrestres simpáticos del supuestamente genial Spielberg.

Steven Lisberger, un prometedor realizador que provenía del mundo de la animación, no logró volver a repetir una experiencia similar y su carrera terminó por fraguarse definitivamente a finales de los años 80 tras estrellarse con sus dos trabajos posteriores "Hot Pursuit" y "Slipstream". Lisberger logró encajar en Tron el típico planteamiento del "individuo contra el sistema" envuelto en una película infantil de aventuras, un planteamiento que llevó también al "Blade Runner" de Scott al fracaso comercial, pero ambas cintas se han convertido hoy indudablemente en inimitables clásicos y en suculenta "carne fresca" para la generación Freak.

15 años mas tarde cuando los hermanos Wachowski utilizaron esas mismas ideas para realizar Matrix sustituyendo la ingenuidad de Tron y el romanticismo de Blade Runner por un mayor dinamismo con una obcecada dosis de crueldad y cuyo resultado fue muy notable. Los Wachowski vieron como público y crítica caían rendidos a sus pies elevándo su película como la obra maestra de la década de los 90 y encumbrándola como film único, innovador y revolucionario.

Con respecto al equipo que hizo realidad el film, no son muy destacables las interpretaciones, es una película esencialmente visual pero podemos ver a un Jeff Bridges con deseos de realzar su carrera rememorando tiempos de éxitos como "La última película" 1971 o "King Kong" 1976. En cambio si que recordaremos siempre el curioso vestuario diseñado por Eloise Jensson y Rosanna Nortonue, cuya originalidad condujo a Tron a la nominiación de los Oscar junto al execelente sonido. Los espectaculares efectos especiales de Richard Taylor elevan también la dignidad de la obra al igual que el diseño artístico de John Mansbridge y Al Y. Roelofs y la excelente fotografia del intermitente Bruce Logan.

En definitiva, Tron es otro clásico perdido y reencontrado 20 años después.

El increible hombre menguante (Jack Arnold, 1957)

2006-08-16T11:19:00.000+02:00

Título Original;
The Incredible Shrinking Man

Sinopsis;
El joven Scott Carey y su esposa Luisie disfrutaban de un viaje en yate cuando una extraña nuve radioactiva se cruzó en su camino. Pocos dias despues Scott se percata de que ha perdido peso y algunos centímetros de altura pero nadie le da mayor trascendencia. Tras un periodo de análisis y pruebas el tamaño de Scott siguirá menguando progresivamente hasta que su caso llegará a convertirse en un popular fenómeno de masas. Pero el tamaño de su cuerpo seguirá disminuyendo hasta el límite de la existencia, llegando a ser presa de animales e insectos.

Crítica;
Una de las mejores películas de Ciencia Ficción metafísica de todos los tiempos.

En la década de los años 50, la Universal compró los derechos de explotación de la homónima novela de Richard Matheson bajo la condición de que el propio autor se encargaría de la adaptación cinematográfica. Matheson, lejos de decepcionar, dotó a la cinta de una siniestra atmósfera filosófico-Kafkiana sin precedentes en el género fantástico además de la materialización de un digno desenlace muy poco frecuente en el Hollywood de los años 50.

Otro gran acierto fue contratar a Jack Arnold para regir la película.
Arnold era en 1957 un realizador que gozaba de una excelente reputación en el género fantástico con considerables trabajos como "Llegó del mas allá", "La mujer y el monstruo" o "Tarántula". Esta vez debía abordar algunos temas con mayor profundiad y para lograrlo nos sumerge en el atormentado mundo interior de un hombre corriente convertido en un extraño fenómeno. Su objetivo es mostrarnos un claustrofóbico planeta de pretendidos "gigantes".

Teniendo en cuenta la cantidad de metáforas psicológicas posibles en un film así, Arnold sintetiza toda la lírica en su protagonista y en el mundo hostil que lo rodea. Además de su genial tratamiento de lo absurdo, Arnold abosorve completamente la atención del espectador mediante un elaboradísimo mecanismo de suspense digno de Hitchcock convinado con una atomósfera puramente dramática.

La interpretación de Grant Williams es correcta, pero lamentablemente, a pesar del éxito de la película su carrera no logró jamás alcanzar un éxito notorio aunque participó en varias series populares de Televisión como; Bonanza, The Outer Limits y en películas como "Escrito sobre el viento" o "Susan Slade". Su carrera como actor terminó hacia finales de los años 70.
Un futuro similar le esperaba a su mujer en el film Randy Stuart que había participado anteriormente películas como "La novia era él" o "Eva al desnudo".

Finalmente no podemos omitir que los efectos especiales son espectaculares teniendo en cuenta la época y el presupuesto con el que contó.

En definitiva, una película inolvidable.

Delicatessen (Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet, 1991)

2006-07-26T11:11:00.000+02:00

Título Original;
Delicatessen.

Sinopsis;
En un futuro no muy lejano, el mundo se ha convertido en un inhóspito lugar repleto de individuos hambrientos. Un joven actor de circo llega en busca de trabajo a uno de los siniestros edificios que forman la ciudad, allí un peculiar carnicero le proporcionará el trabajo…Pero su presencia causa cierta inquietud a los excéntricos vecinos que habitan el lugar.

Crítica;
Una ópera prima inolvidable, divertida y original.

A principios de los años 90 el cine superó una horrible crisis ideológica resucitando con la sorprendente llegada de cineastas imaginativos como Quentin Tarantino, Emir Kusturica, Luc Besson, Tim Burton, Sam Raimi, Robert Rodriguez y Spike Lee. Dentro de este grupo de nuevos independientes, no podemos dejar de lado a Jean-Pierre Jeunet. Y no lo incluyo en absoluto por su célebre obra "Amelie", sino mas bien por sus primeros trabajos junto a Caro (Delicatessen y La ciudad de los niños perdidos) en los que cabalgaba entre la comedia satírica, la fábula infantil, el cine de animación y el subgénero gore.

En ésta película vemos un tratamiento de la fantasía que nos evoca a la vertiente mas clásica del cine francés como "La bella y la bestia" de Jean Cocteau. Y es que en Francia existe una clara tradición de cine fantástico desde los mismos orígenes del cine, no olvidemos que el "Viaje a la luna" de Georges Melliès es también una película de Ciencia Ficción y fue realizada en 1902. El país galo es portador de buena parte de las películas que reinan en el género y Delicatessen podría incluso formar parte de esta aristocracia dentro de algunos años.

La otra mitad de la realización viene a cargo de Marc Caro. Ingoro por completo que se ha hecho de este realizador pero durante los años en los que formó equipo con Jeunet realizaron unos trabajos formidables. En mi opinión los trabajos posteriores de Jeunet en solitario no han sido tan brillantes y esto puede estar relacionado probablemente con la ausencia de Caro.

El trabajo de fotografía, como sule suceder en el cine fantástico, es sumamente original. A pesar se trataba de su primer trabajo cinematográfico, su máximo responsable (Darius Khondji) era ya un gran profesional y ésto se ha demostrado progresivamente en su carrera, la cual se ha ido cotizando mas tras cada trabajo hasta lograr ser un artista solicitado internacionalmente.

Con respecto a las interpretaciones podemos considerarlas correctas aunque no son especialmente destacables. A Pascal Benezech, que había aparecido anteriormente en otro film francés, no lo hemos vuelto a ver nunca mas en el cine. Bien distinto es el caso de Dominique Pinnon, que ha repetido en varias ocasiones con los realizadores en posteriores trabajos (Amelie, Alien Resurrección) aunque sin mayor repercusión.

En definitiva, un estreno de talentos que merece la pena ver.

Código 46 (Michael Winterbottom, 2003)

2006-07-19T12:38:00.000+02:00

Título Original;
Code 46.

Sinopsis;
En un futuro no muy lejano la globalización económica y social ha llegado a su cénit. Los individuos viven bajo el control absoluto del estado que manipula incluso sus recuerdos.
William, un inspector de seguros felizmente casado viaja a Shangai para investigar un fraude en la compañía y durante su investigación conoce a Maria, una trabajadora de la que sospecha que és responsable del delito, pero de la cual no puede evitar enamorarse.

Crítica;
Interesante drama sobre las relaciones humanas enmarcadas en un futuro siniestro.

Resulta sorprendente comprobar que en estos tiempos de vacío creativo existan todavía realizadores con el valor suficiente como para realizar una denuncia social mediante la Ciencia Ficción. Últimamente tenía la impresión de que las únicas temáticas "políticamente correctas" del cine independiente eran las drogas, la homosexualidad y la necedad de los norteamericanos.

El caso es que en Código 46 hallamos una visión moderna del cine que ha sabido hallar un camino acertado, escapando de esos tópicos que asedian sin piedad al cine independiente actual e incluso al propio realizador. Estamos hablando sin duda del británico Michael Winterbottom (Besos de mariposa, Contigo o sin ti), principal responsable del buen resultado de ésta cinta. Aquí realiza formidablemente la función de mediador entre el tono dramático del guión y la estética videoclip que requieren los tiempos modernos.

Los efectos especiales, por cierto sorprendentemente económicos, son muy efectivos teniendo en cuenta que están basados esencialmente en simples "chromas", excelentes localizaciones y la gran profesionalidad de la fotografía de un prometedor artista llamado Alwin H. Kuchler. También es razonablemente plausible la interpretación de sus estrellas; el siempre comprometido Tim Robbins (El juego de Hollywood, Cadena Perpetua) y la joven actriz Samantha Morton (A flor de piel, Acordes y desacuerdos). Finalmente remata el trabajo una acertada banda sonora, tal vez algo comercial para los mas puristas, pero incluso para ellos aceptable.

Su visionado resulta una grata experiencia para estos tiempos que corren. Francamente recomendable para cinéfilos de todo tipo.

Alphaville (Jean-Luc Godard, 1965)

2006-07-17T11:08:00.000+02:00

Título Original;
Alphaville

Sinopsis;
El detective Lemmy Caution llega a una moderísima ciudad llamada Alphaville con la intención de conocer el motivo de las extrañas actitudes que profesan sus habitantes. Su búsqueda le llevará a encontrarse con una metrópolis tiránica e inumana que convertirán la estancia en una constante batalla.

Crítica;
Supone toda una declaración de principios para la Nouvelle Vague, pero no es una obra maestra de la ciencia ficción.

No deseo restarle méritos a Alphaville; tiene momentos memorables, es original, rebosa imaginación y su planteamiento vanguardista es tremendamente innovador. Marcó además pautas estéticas que siguieron otras películas como Blade Ranner, mezclando el cine negro con la imaginería del cómic. Su excelente ambientación se ha conseguido utilizando únicamente la imaginación y la profesionalidad del director de fotografía Raoul Coutard, teniendo en cuenta además los escasos medios de producción con los que contaban. La independencia de éstas películas nos evocan a una época entrañable, y hoy contemplamos éstas películas con vidriosos ojos cinéfilos dejando a un lado las carencias para celebrar los aciertos. El problema surge cuando la crítica pretende establecer a Alphaville como un referente del género. Sin ánimo de comparar, en tal caso me decanto rotundamente por la Jetée de Chris Marker e incluso citaría a "Farenheit 451" de François Truffaut como opción mejor.

A mediados de los años 60, Godard (Pierrot el loco, Masculino y femenino) estaba en plena forma como realizador y su reconocimiento por la crítica estaba llegando a su punto mas álgido. Seguidores y críticos hambrientos de Nouvelle Vague, ansiaban una nueva ración de fantasía "Godardiana" a modo futurista. El realizador francés construyó hábilmente una película muy imaginativa, pero su exhibición de estilo marca tan profundamente el relato, que llega al punto de eliminar todo ápice de narratividad. Los primeros 45 minutos de metraje son dignos de una obra maestra, pero pasado éste umbral, el cineasta nos traslada de la abstracción inicial a un suspense construido a golpes de romanticismo y violencia. Por desgracia, ésto termina con la credibilidad de la historia.

Es muy comprensible que a mediados de los años 60, Alphaville terminará por ser una obra celebrada y aplaudida. Pero viéndola 40 años depues, el paso de los años no le ha favorecido. Su estructura narrativa desordenada e imprevisible termina por cunfundir demasiado al espectador para llevarlo, a mi parecer, a una conclusión sorprendentemente llana. También la elección de Eddie Constantine como héroe futurista, bien interpretado por parte del actor, resulta poco acertada teniendo en cuenta que debía enamorar a una bellísima Anna Karina con 23 años menos.

Huelga decir que hay algunas secuencias memorables como la de los fusilamientos y las nadadoras asesinas. Su visionado resulta recomendable especialmente para los incondicionales de Godard y los coleccionistas de rarezas.

Rollerball (Norman Jewinson, 1975)

2006-07-12T14:10:00.000+02:00

Título original:
Rollerball.

Sinopsis:
En el año 2018 ya no existen las naciones, la libertad ha sido sustituida por el confort y un aparente "bienestar general" ha aletargado el espíritu humano. La pasión por un salvaje deporte llamado Rollerball se ha convertido en la única escapatoria para la rutinaria vida de las gentes.
El capitán del Houston; Jonathan E., considerado como el mejor jugador de la historia del Rollerball, es persuadido por los ejecutivos para que se retire de la competición, pero éste, inconforme con las presiones, buscará respuestas en un mundo hipócrita y tiránico.

Crítica:
Una obra maestra, revolucionaria e incomprendida.
En 1975 la crítica sufrió una profunda división entre aquellos a los que Rollerball les pareció un "bloof" y los que la consideraron una película revolucionaria e innovadora. Éste último fue el caso de la academia británica y de numerosos festivales norteamericanos de cine fantástico.

El realizador canadiense Norman Jewinson (El calor de la noche, Jesucristo Superstar) instigador de un cine siempre revolucionario, realizó con Rollerball uno de sus trabajos mas personales como autor abarcando todos los terrenos; producción, guión y dirección.
Al margen de pequeños fallos técnicos, inevitables en cualquier gran producción, Jewinson cargó con un gran riesgo en la realización de éste film puesto que requiere una difícil combinación de elementos dramáticos con el cine de acción. Dicha mezcolanza, envuelta además en un universo futurista puede cernir fácilmente en el ridículo, pero afortunadamente ésto no concierne a Jewinson. El realizador canadiense ejecuta su labor de un modo tan elegante e impecable que tan solo da pie para alavanzas.
Otro pilar fundamental en el que se sustenta la maestría de ésta película es la perfecta interpretación de James Caan (El padrino, Misery). Caan es un actor sencillo y alejado de los histrionismos, cuyo trabajo, sin necesidad de grandes manifestaciones expresionistas, es capaz de transmitirnos todo el sufrimiento y la soledad que atañen a la vida de su personaje.
Finalmente el trabajo de fotografía de un histórico "cinematographer" del cine como Douglas Slocombe (Al morir la noche, La mujer maldita) pone el broche de oro a éste fabuloso equipo.

Ésta película puede no tomarse muy en serio debido a algunos factores meramente superficiales como la fuerte presencia de estética "futuristico-kistch" (típica de los años 70) que nos remite a la estética Pop. También el pretendido deporte futurista puede parecernos a simple vista una compleja y absurda invención de última hora. Pero a medida que el espectador supera estos prejuicios y se introduce en su visión del futuro, la atención se incrementa progresivamente gracias a un ritmo trepidante que convina la explícita violencia del deporte y el drama en el que viven sus protagonistas.

Al igual que sucede en muchas películas bélicas y de un modo muy hábil, Rollerball realiza una crítica de la violencia mediante la propia violencia. Ésta máxima, tan expuesta por la crítica como única característica original, es tan solo una de las muchas claves que podemos encontrar en los 115 minutos de metraje. Cualquier espectador atento, hallará en cada visionado mas y mas mensajes críticos, expuestos a modo de espejo de nuestra sociedad actual.

El reconocimiento de Rollerball como un hito del cine de Ciencia Ficción ha resultado largo y tedioso pero progresivamente ha ido llegando. En el año 2002 se realizó incluso un "remake", lamentable por cierto, dirigido por John McTiernan del que prefiero no hacer mayor mención.

Esto me lleva a decir que Rollerball es una película irrepetible, proveniente de aquellos años en que la libertad reinaba en el cine.

El abismo negro (Gary Nelson, 1979)

2006-07-12T11:40:00.000+02:00

Título Original:
The Black Hole.

Sinopsis:
Los tripulantes de la nave "Palomino" deciden regresar a la tierra tras 18 meses de infructuosa búsqueda de vida humana en el universo, cuando repentinamente el radar del robot "V.I.N.-Cent" detecta la presencia de una gigantesca nave que sigue la órbita de un agujero negro.

Crítica:
Película de gran talento cuyo resultado es poco provechoso.
Este film podía haber supuesto una oportunidad excepcional para que la factoría de Walt Disney irrumpiera con fuerza en el cine de culto de los años 70. Lamentablemente no fue así.

En su planteamiento, la obra prometía mucho más si tenemos en cuenta que participaban actores tan extraordinarios como Maximilian Schell (La cruz de hierro, Vencedores o vencidos) y Anthony Perkins (Psicosis, El proceso). Gozaba además de la excelente fotografía de un maestro del cine fantástico como Frank V. Phillips (La bruja novata, La montaña embrujada), de buenos efectos especiales y de una fantástica banda sonora a cargo del oscarizado John Barry (Cowboy de medianoche, Cotton Club). Incluso el planteamiento argumental de la película y su estética de "cómic" resultan muy interesantes...pero son esos numerosos "tics" del cine Disney sumados a una realización poco ambiciosa los elementos que rebajan tan sensiblemente la calidad artística de la cinta.

De todos modos su visionado resulta medianamente aceptable.

Un chico y su perro (L.Q. Jones, 1974)

2006-07-03T09:25:00.000+02:00

Título Original;
A boy and his dog.

Sinopsis;
En un futuro post-nuclear, el joven Vic y su inseparable perro telépata Blood viajan por el mundo en busca de comida, chicas y aventuras. Una noche el camino de Vic y Blood se cruza con el de una hermosa joven llamada Quilla June. Rápidamente Vic cae rendido a sus encantos y abandona a su amigo Blood para seguir a la chica hasta una ciudad subterránea llamada Topeka.

Crítica;
Por fin una película de Ciencia Ficción aventuresca sin los endulcorantes habituales.
Descubrí la historia de Vic & Blood hace unos diez años, a través de un cómic excepcional realizado por el maestro Richard Corben. Cuando me dispuse a ver esta película ignoraba completamente que se trataba del mismo relato que había leido en mi adolescencia y que al parecer fue originalmente escrita como un cuento por el novelista Harlan Ellison.
La temática acerca de una posible civilización post-nuclear siempre me ha fascinado, pero al margen de poseer un atractivo "envoltorio", una película requiere de una magia especial para que sus personajes capten por completo nuestra atención. Afortunadamente, "A boy and his dog" es un film que rebosa de esa magia.
Es una película repleta de matices típicamente norteamericanos expuestos con total libertad y percibidos claramente mediante características que marcan todo el film como la jerga sureña utilizada por sus personajes, el cálido desierto de Arizona, la música Country, las peleas diarias y los tiroteos. Todos éstos elementos nos trasladan al universo del Western; un mundo de hombres solitarios en el que prima solo la constante lucha por la supervivencia.
Estas peculiaridades evocan nuestros recuerdos hacia un film mucho mas popular en el que aparecía Mel Gibson, es decir, que a nadie le quepa la menor duda acerca de que fue ésta la obra que inspiró a George Miller para realizar en 1979 la celebérrima Mad Max.
"A boy and his dog" sirvió además como campo de pruebas para su realizador novel L.Q. Jones (actor Texano habitual en westerns como "Grupo Salvaje") y para un joven actor de 25 años llamado Don Johnson que disfrutaba del primer papel principal de su carrera.
Jones utilizó hábilmente algunas de las constantes violentas del cine de Peckinpah convinádolos con la narrativa y el ritmo propios del mejor autor independiente.
Imagino que resultó la mejor ópera prima que el propio realizador Texano imaginó jamás, teniendo en cuenta que llegó incluso plantearse su secuela, rechazada tras la muerte del perro actor llamado "Tiger", Blood en nuestro film (célebre en series de Televisión).
Definitivamente en el cine, un cocktail de elementos bien convinados producen un resultado muy efectivo.

El Presidente (Barry Shear, 1968)

2006-07-01T18:20:00.000+02:00

Título Original;
Wild in the streets.

Sinopsis;
Un inadaptado cantante Pop llamdo Max Frost convence a a un político demócrata para redactar una enmienda que rebajará la edad de voto hasta los 15 años. Tras lograr éste objetivo, la popularidad de Frost crece tan desmesuradamente que termina por erigirse presidente de los Estados Unidos. Pero una vez en el poder, se convierte en un tirano que realiza toda clase de reformas sociales como encerrar a todos los mayores de 35 años en campos de concentración y suministrarles L.S.D. hasta provocarles la muerte.

Crítica;
Una obra original y divertida cuyo mensaje termina perdido en ambigüedades.
Vista a principios del siglo XXI no tiene nada de futurista, pero durante la década de los 60, inmersos en una sociedad menguante repleta de revoluciones contra-culturales, éste film se contempló con una perspectiva de crítica a los excesos edonistas de la generación hippie.
Expone hábilmente en clave de comedia la posibilidad de una utopía juvenil desde el punto de vista de dos generaciones muy distintas, pero a lo largo de la cinta su tratamiento resulta demasiado superficial para tomarlo seriamente.
De todos modos su visionado resulta una experiencia divertida.
Cabe destacar la dirección de Barry Shear, un habitual de la televisión norteamericana que abarca en su palmarés éxitos tan dignos de mención como "Starky & Hutch".
De entre las interpretaciones se destacan algunos habituales de la American International como Shelley Winters encarnando a la histriónica madre de la estrella Pop y la sorprendente aparición de un jovencísimo Richard Pryor.
Finalmente la banda sonora de Les Baxter y Cynthia Weil en convinación con el montaje psicodélico de algunas secuencias dotan al film de un dinamismo ciertamente encomiable.

Mil novecientos ochenta y cuatro (Michael Radford,1984)

2006-06-30T09:54:00.000+02:00

Titulo original:
1984

Sinopsis:
En el año 1984, el mundo se encuentra dividido en unos pocos paises inmersos en incesantes guerras. En oceania existe un gobierno totalitario regido por el gran hermano bajo el nombre de "El partido". El pueblo, compuesto por los proletarios y el partido exterior se halla perdido en un estado de sumisión total hacia su lider. Pero quedan unos pocos que no aceptan la manipulación ni el control impuesto por el gran hermano. Éste es el caso de Winston Smith, el miembro del partido exterior número 6079 que trabaja en la sección de archivos del ministerio de la verdad. Un hombre que desafiará al partido y al gran hermano en defensa de la libertad.

Crítica:
En mi opinión, éste es uno de los diez mejores films de ciencia-ficción que se han realizado en la historia del género. Basada en la igualmente genial novela homónima de George Orwell, la película realiza una crítica voraz a los sistemas autoritaristas. Tratada en parte con cierta ambigüedad política, con el fin de ver retratados sistemas que abarcan desde el capitalismo mas despótico al comunismo mas atroz. 1984 Es una oda visual a la libertad y al amor, además de exponer una clara defensa del individuo que nos evoca a las teorías filosóficas del Anarquismo Individualista.
Michael Radford, un semi-desconocido realizador nacido en la India, nos ofrece con ésta obra una clase magistral de cómo dirigir una película de ciencia ficción mediante un tratamiento tan profundamente sobrio que nos hace olvidar que estamos viendo una película de género fantástico y nos acerca al mas puro cine de autor, consiguiendo mantener en todo momento la atención del espectador mediante cambios de ritmo progresivos y elementos visuales radicales.
La fantástica fotografía de Roger Deakins es la responsable de sumergirnos en un mundo de tonos grises y ocres que nos evocan al crepúsculo de un mundo civilizado en decadencia.
El broche de oro lo ponen las interpretaciones de John Hurt, Richard Burton y Suzanna Hamilton. Especialmente Hurt, que realiza una de las mas asombrosas caracterizaciones que se hayan visto jamás en una película de género fantástico.

Tetsuo: El hombre de hierro. (Shinya Tsukamoto, 1988)

2006-06-29T11:48:00.001+02:00

Sinopsis:
Un extraño elemento conocido como "El fetichista de los metales" sufre un accidente cuando un automóvil le atropella en una solitaria carretera. Los integrantes del vehículo (una pareja obsesionada por el sexo) esconden en el bosque el cuerpo de su víctima. Poco después el chico que conducía comienza a sufrir extrañas transformaciones metálicas en su cuerpo y alucinaciones paranoicas.

Crítica:
Dejando a un lado los premios que recibió, su originalidad estética "cyber-punk" e incluso teniendo en cuenta que todo el trabajo de la producción recae sobre su autor (Shinya Tsukamoto). Para mí Tetsuo terminó convirtiéndose en una considerable decepción. No dudo que posee un planteamiento original, un buen trabajo de fotografía y espectaculares efectos especiales . Pero desgraciadamenete la cinta prácticamente carece de hilo argumental, su ritmo resulta agobiante y la obsesión estética termina por devorarlo todo. Las interpretaciones de sus interpretes al estilo "Manga", en un principio sorprenden, pero tras la primera media hora de metraje terminan siendo tediosas y repetitivas caricaturas humanas moviéndose a ritmo de videoclip. Si la idea era meramente estética, con media hora de metraje hubieramos tenido mas que suficiente. Pero si se pretendía hacer una buena película de Ciencia-Ficción, el objetivo se pierde lamentablemente en el camino.

Viaje alucinante al fondo de la mente. (Ken Russell, 1980)

2006-06-29T10:00:00.000+02:00

Título Original: "Altered States"

Sinopsis:
El eminente científico Dr. Jessup, obsesionado en darle algún sentido a la existencia de la vida, realiza toda clase de experimentos en un sórdido laboratorio mediante una droga que descubre en México y que los indios utilizan en sus rituales místicos. Encerrado en su laboratório sufrirá en sus propias carnes los terribles efectos de sus asombrosos experimentos.

Crítica:
Resulta increible que en Hollywood realizaran una película de Ciencia Ficción en pleno 1980 tan alejada de los estereotipos que había marcado en el género el arrollador éxito de "Star Wars". Desgraciadamente, algunas imágenes alucinógenas del metraje original no pudieron librarse de las manos pecaminosas de algunos censores de la Warner que la encontraron algo visceral. Otros encambio la acusaron de una apología de las drogas para falsos eruditos.
El título fue desafortunadamente traducido en España quitándole originalidad y dándole aspecto de semi-remake. "Viaje alucinante al fondo de la mente" suele producir confusión con el "Viaje alucinante" de Richard Fleischer.
Ésta película resulta ser una preciosa y desconocida joya del género. Goza además de un guión excepcional de Paddy Chayefsky basándose en su novela homónima con la colaboración del guionista Sidney Aaron. Exploran el estudio de las drogas psicodélicas con la genética, la antropolgía, la filosofía y la teología. Todo ello resuelto de un modo elegante, sin caer en la caricatura ni en los tópicos del género. Pero la clave de su relevancia artística se esconde tras el magistral trabajo del realizador británico Ken Russell (El mesías salvaje, Tommy), la impecable interpretación de William Hurt (Dark City, El hijo de la mujer araña) y los excelentes efectos especiales de Ferren, Fuentes y Gaspar. Supuso además la primera incursión de Hurt como protagonista en la gran pantalla.